La-di-da

Tarantino é Deus.

2009-10-13T06:41:00.000-07:00

Tarantino é Deus. E isso não é nenhum exagero de fã. Tarantino é Deus porque ele controla o seu mundo como nenhum outro cineasta. Em seus filmes não há uma obediência à lógica ou a regras estruturais clássicas. Em Inglourious Basterds pode-se perder uma hora explicando a trama britânica para destruir o alto-comando nazista e esse plano ser frustrado bem antes de colocado em prática, simplesmente porque o autor decide que vai ser assim. As mortes, nos filmes de Tarantino, são as mais inesperadas, porque não obedecem a uma expectativa gerada pelo roteiro. Elas simplesmente acontecem. E é por esse controle absoluto do seu mundo muito particular que Tarantino é, desde 1992, o diretor mais importante do mundo. E o único que pode ser chamado, legitimamente, de autor.

Dito isso, vamos ao que interessa: Inglourious Basterds é, até agora, o filme mais ousado do diretor. Porque, ao contrário de Kill Bill, que lida com uma realidade totalmente fantasiosa, aqui ele tem coragem de falar de fatos históricos. E fazer com eles o que bem entende. A primeira cena engana. Primorosamente executada, ficamos com a impressão de que Tarantino “amadureceu”, e fez uma transição para um cinema mais sério e comprometido. Isso é imediatamente quebrado com a introdução de um Adolf Hitler caricatural, de vaudeville, logo na cena seguinte. Esse Hitler parece dizer: “Relaxem, você estão vendo um filme de Tarantino.” E a partir daí, segue-se uma infinidade de momentos feitos exclusivamente para o prazer de quem adora cinema e ainda gosta de ser surpreendido por ele. A tese de Tarantino, presente em todos os seus filmes, e aqui levada a extremos radicais é: “Sou um cineasta. O meu mundo é o do cinema. E por isso, eu posso fazer o que quiser.”

As críticas a Inglourios Basterds e seu desrespeito a fatos históricos só pode ter sido feita por pessoas que, apesar de passarem a vida vendo filmes e escrevendo sobre eles, ainda não entenderam, de fato, a essência do cinema. Enquanto rimos e vibramos com Tarantino e seu mundo absurdo e genial, estamos rindo de quem leva a vida e a arte a sério demais.

Hurt.

2009-08-17T12:49:00.000-07:00

Na falta de tempo e assunto pra escrever, deixo vocês com alguém bem mais talentoso: um tal de Trent Reznor.

A morte dos anos 80.

2009-08-10T11:43:00.000-07:00

Quando, em tenra idade, fui com um amigo ver Mulher Nota 1000 no cinema, esperava ver a Kelly Le Brock pelada. Mas o filme não era nada disso. O tema era a angústia da adolescência, nesse caso voltada para a dificuldade juvenil em lidar com o sexo oposto. Os dois nerds protagonistas, que não conseguem se dar bem com as meninas reais do colégio, criam a mulher ideal, que acaba, obviamente, assumindo mais um lado mãe do que qualquer outra coisa. Ou seja: mulher perfeita, só a mãe. As outras, a gente tem que aprender a lidar. E não é fácil. E em se tratando de coisas que nunca são fáceis para os jovens, John Hughes era mestre. Foi só com a morte de Hughes, sexta passada, que eu parei pra pensar em como a sua obra é importante. Não para o cinema. Mas para mim. Os filmes de Hughes acompanharam a minha adolescência e me ensinaram que eu não estava sozinho. Todo o sofrimento, todas as decepções e as eventuais alegrias que eu tinha, faziam parte da vida de todas as pessoas. E era só uma questão de tempo até eu me acostumar com tudo isso. Os filmes de John Hughes devem ter deixado mais leve a vida de muita gente, no mundo todo. Como cinema, os filmes do diretor não ficaram. Eles pertencem a uma época. E não saíram de lá. Hoje, são vistos com nostalgia, e enquanto o tom libertário de Ferris Bueller e The Breakfast Club (não por acaso, seus melhores filmes) ainda provoca um sorriso, o ranço moralista de Mulher Nota 1000 e Uncle Buck irrita profundamente. Escrito por Hughes e dirigido por Chris Columbus, Esqueceram de Mim, entre seus filmes, é o que mais se aproxima de um clássico. Não exatamente pelas suas qualidades, mas pelo tom atemporal e por ter, de alguma maneira quase inexplicável, cativado o mundo inteiro em 1990. Mas talvez o extraordinário sucesso desse pequeno filme se deva ao fato de que Hughes lidou com uma das nossas primeiras angústias, e que acaba nos acompanhando a vida inteira: ser deixado sozinho. E dessa vez, a identificação foi dos 8 aos 80.

Entre trabalhos de John Hughes como roteirista e diretor, veja: Férias Frustradas, Gatinhas e Gatões, Clube dos Cinco, Curtindo a Vida Adoidado, Antes Só do que Mal Acompanhado, Férias Frustradas de Natal, Esqueceram de Mim

Mudanças.

2009-07-27T10:22:00.000-07:00

De uns tempos pra cá, minha vida mudou bastante: não preciso mais dirigir 80 quilômetros por dia. Com isso, ando bem mais descansado. Só que, ao contrário do que se poderia imaginar, essa vidinha mais tranquila gera mais preguiça. Por isso, o blog tá parado de um jeito que dá pena. Até no facinho Twitter a preguiça impera. Mas, enfim, vou retomando aos poucos, até porque já voltei a trabalhar, e com isso vem a vontade de fazer outras coisas. Nesse tempinho, fui ver dois filmes: Harry Potter 6 e Inimigos Públicos. O primeiro, talvez um pouco melhor do que os anteriores, tem pelo menos um atributo digno de Oscar: a fotografia. Fora os trabalhos do falecido gênio Conrad Hall, é difícil uma direção de fotografia me chamar tanto a atenção. Depois fui pesquisar e vi que o cara também trabalhou em Amelie Poulin. Ou seja, tenho que decorar mais um nome. Quanto a Inimigos Públicos, trata-se de um filmaço. Um filme puramente err... cinematográfico. Cada cena tem o seu brilho particular e Johnny Depp entrega, mais uma vez, uma atuação genial. Chega a dar pena do Christian Bale. Talvez a única coisa que impeça esse filme de virar um clássico é a própria reverência que Michael Mann presta aos clássicos. Há uma humildade do tipo "o que eu estou fazendo aqui não é nada além de uma homenagem". O que não é problema nenhum, diga-se.

Obs.: os próximos posts serão mais puxados, com imagens e etc. Esse foi só pra cumprir tabela.

Images.

2009-07-06T13:13:00.000-07:00

A inteligência de Transformers.

2009-07-03T14:13:00.000-07:00

Começo pela parte mais difícil: gostei de Transformers 2. Pronto. Agora o resto fica mais tranqüilo. O fato é que eu já era fã do primeiro filme, como dá pra constatar pelo texto um pouco mais abaixo onde eu tento defender o Michael Bay. E pra ver um filme como esse sem o olhar critico que eu dedicaria a coisas mais engajadas artisticamente, basta colocar as coisas em seu devido lugar. Quando eu vejo Transformers 2, eu quero um filme longo, com efeitos especiais espetaculares, ação ininterrupta e, deixando a hipocrisia de lado, altas doses de Megan Fox. E o filme tem tudo isso. Mas vou tentar falar sério um pouco. Trata-se de uma obra para a nova geração, feita com o cuidado de agradar as hordas de adolescentes que são o principal público de cinema no mundo. E tudo no filme é cuidadosamente pensado para atingir esse objetivo. Em primeiro lugar, a aposta na imagem e no som em detrimento do conteúdo. Trata-se de uma obra anestesiante, que não permite uma reação intelectual do espectador. Não existe tempo para isso.

Mas Transformers 2 vai ainda mais longe na tentativa de pegar esse público com os hormônios em ebulição. Há filmes pornôs mais sutis na maneira que abordam o sexo. Tudo em Transformers 2 é recheado de referências ao imaginário sexual. Desde a inexplicável beleza da atriz principal até as piadas de baixo calão que envolvem robôs tarados ou com testículos. E há a tecnologia. Não sou de me impressionar com efeitos especiais, mas os de Transformers 2 são de cair o queixo. Não há nada que passe a impressão de que aqueles robôs são animados e aplicados por computador. Não existem falhas técnicas aqui. Então temos essa combinação de sexo e tecnologia (os maiores interesses dos teenagers) que não tem outro propósito a não ser o comercial. A lógica de Transformers 2 é a lógica da publicidade. E como profissional da área eu não posso deixar de admirar a inteligência de business por trás do filme. E a habilidade de Michael Bay em concretizar isso tudo, colocando centenas de milhões de dólares nos cofres dos produtores. Arte é outra coisa, mas Transfomers 2 me diverte e me fascina. E ainda tem a Megan Fox.

Laerte dos bons.

2009-06-29T08:17:00.001-07:00

Grand Prix de Filme em Cannes.

2009-06-26T13:18:00.000-07:00

Movie Frames.

2009-06-26T10:47:00.001-07:00

Click to enlarge.

Michael Bay e o cinema dos sentidos.

2009-06-18T09:50:00.000-07:00

Esse cara aí de cima é considerado por boa parte da crítica como um dos piores diretores do cinema (pelo menos entre o time A de Hollywood, de grandes orçamentos e bilheterias). Antes disso, esse mesmo cara foi considerado um dos melhores diretores de filmes publicitários do mundo. Será possível que ele tenha perdido tanto a mão ao fazer essa transição? A diferença é que na publicidade, os filmes são feitos para vender produtos. No cinema, o filme é o produto. E quem está acostumado a um cinema cerebral, que faça pensar e refletir, a sensação de vazio ao ver um filme de Michael Bay é quase inevitável. Por que quase? Porque dá sim para apreciar o cinema desse diretor sob uma perspectiva artística. Em primeiro lugar, Michael Bay é um autor. Ele desenvolveu um estilo próprio de contar histórias, apoiado principalmente pela edição, trilha sonora e fotografia. Bay utiliza esses elementos com a intenção de provocar um assalto aos sentidos. A emoção, em seus filmes, é provocada pela visão e audição. Não há aquele processamento no cérebro que as grandes obras provocam: o de fazer a gente se emocionar pela identificação e pela inteligência do que se está vendo. Mas o que eu coloco aqui é: isso é necessariamente ruim? Por que as emoções básicas e simplórias têm que ser rejeitadas tão veementemente? Provocar thrills através da pura técnica é crime punível com a pena de morte? Não. Porque cinema também é isso. Por exemplo: considero Casablanca o filme mais perfeito já realizado, por sua consistência dramática, suas sutilezas, atuações e roteiro absolutamente impecável. É cinema industrial feito por verdadeiros artistas. Mas não é isso que me vai me levar a rejeitar o extremo oposto. Quem ama cinema, obrigatoriamente, tem que ter uma visão ampla da arte, e não se restringir à admiração de apenas um tipo de caminho. O cinema de Michael Bay é radicalmente comercial. Não há objetivo ali a não ser a criação de um evento que leve milhões ao cinema e encha os bolsos dos produtores. Mas porque esses filmes alcançam esse objetivo? Porque por trás deles existe um mestre na técnica de manipular as emoções do público. Principalmente o público mais juvenil, que ainda não desenvolveu emoções mais complexas. Ou seja, existe talento aqui. Pode-se questionar a ética desse talento, mas nunca a força da sua estética. Os piores filmes de Michael Bay são justamente aqueles onde existiu a pretensão de se fazer algo além da sua capacidade: Pearl Harbor, uma derivação inferior de Titanic e outros épicos românticos, que tentou remeter à Era de Ouro de Hollywood sem ter no entanto, a sensibilidade dos filmes desse período. E A Ilha, onde a intenção de se fazer uma distopia com toques filosóficos naufraga diante da falta de uma bagagem cultural e intelectual adequada.

Prontos para salvar o mundo e encher os bolsos de grana.

Já os melhores filmes do diretor são, não coincidentemente, os que mais faturaram: Armageddon e Transformers. E isso é óbvio, na medida em que a ética e a estética de seu cinema estão voltados para as bilheterias. O que difama Michael Bay é um erro de interpretação dos críticos, que confundem intenções e objetivos com falta de talento. E uma das coisas que fazem parte do gostar de cinema é ver o cinema com uma cabeça mais aberta. Sexta que vem estréia Transformers 2. E eu estarei entre os primeiros na fila.

A melhor criação de Michael Bay.

Pra reativar.

2009-06-12T10:48:00.001-07:00

Há dez anos.

2009-05-26T11:45:00.001-07:00

1999 marcou o início de uma nova (e boa) fase para Hollywood, que dura até hoje. Filmes mais ousados, fortes e criativos (até no que se refere a blockbusters), em uma espécie de revival da revolução que o cinema americano conheceu nos anos 70. Pra marcar esse ano histórico, e inspirado por uma idéia do Roberto Sadovski, selecionei os clássicos de 99 em ordem crescente de importância. Opinião pessoal, claro, como se eu precisasse dizer. Veja a lista e reveja os filmes. Eles merecem.

12. Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma
de George Lucas
Depois de 16 anos de espera, a trilha de John Williams, acompanhada da frase “A long time ago...”, voltou às telas em uma aventura com falhas (leia-se Jar Jar Binks), mas nem por isso desmerecedora do titulo Star Wars.

11. O Gigante de Ferro
de Brad Bird
A animação que presta tributo aos filmes de ficção científica dos anos 50 fracassou nas bilheterias, mas logo virou cult. É desenho mesmo, sem CGI, e o robô gigante emociona até com a voz mecânica do Vin Diesel.

10. Quero Ser John Malkovich
de Spike Jonze
Crise de identidade nas mãos do roteirista Charlie Kaufman só podia dar nisso: um filme esquizofrênico, esquisito, engraçado e ao mesmo tempo seriíssimo. Uma brincadeira perturbadora que marcou época. Malkovich!

9. História Real
de David Lynch
Idoso decide visitar o irmão à beira da morte dirigindo um...cortador de grama. Aqui o diretor abandona as esquisitices habituais com uma história real, mas parece dizer que os humanos são estranhos mesmo sob uma ótica realista.

8. O Informante
de Michael Mann
Al Pacino e Russel Crowe dão um show de atuações na história do homem que pretendia denunciar a indústria do cigarro no programa de maior audiência da TV americana. Uma aula de cinema, jornalismo e coragem.

7. Toy Story 2
de John Lasseter
Woody e Buzz Lightyear voltam em uma aventura maior, melhor e mais emocionante que a original. A consolidação definitiva da Pixar como uma fábrica de filmes que provam que tecnologia e arte podem andar juntas.

6. Magnólia
de Paul Thomas Anderson
Um super elenco na história que trata da relação entre pais e filhos, além de vários outros temas, alguns explícitos, outros restritos a interpretações. Recorrer ao surrealismo é imperativo para aliviar a deprê.

5. O Sexto Sentido
de M. Night Shyamalan
O único filme que presta na carreira do diretor, que depois passou a se repetir e auto-homenagear. Parábola sobre a dor de ser diferente, o filme tem um roteiro impressionante, onde o final está escrito desde o começo.

4. À Espera de um Milagre
de Frank Darabont
Darabont é o diretor que mais entendeu a qualidade e o sentido da obra de Stephen King, um dos escritores mais subestimados da história. Assim como Um Sonho de Liberdade, é um filme que só cresce com o tempo.

3. Beleza Americana
de Sam Mendes
A hipocrisia dos subúrbios americanos é desmascarada pela câmera invasiva do diretor. E os espectadores viram voyeurs. É tudo muito divertido até o momento em que percebemos que estávamos olhando para nós mesmos.

2. Matrix
de Andy e Larry Wachowski
A ficção científica que, em meia dúzia de cenas memoráveis, marcou a história do cinema. Matrix vale muito mais pelas imagens criativas e inesquecíveis do que pelo roteiro recauchutado. Mas cinema não é imagem, por acaso?

1. Clube da Luta
de David Fincher
Numa lista dos melhores filmes de 1999, a primeira regra é falar do Clube da Luta. Brad Pitt e Edward Norton representam os personagens mais importantes de todos os tempos: o id e o superego. Quem ganha essa briga?

La Jetée.

2009-05-26T10:28:00.000-07:00

O curta do Chris Marker que inspirou Os 12 Macacos do Terry Gilliam.

Charge.

2009-05-18T06:34:00.001-07:00

A New Comedy.

2009-05-15T10:55:00.000-07:00

Legal esse cartaz que explora bastante a popular imagem do escritor/ator Larry David nos Estados Unidos. Mas o mais interessante é que o nome do diretor foi deixado de lado. Se fosse um qualquer, ok. Mas se trata de Woody Allen. Nos EUA, tirar o nome de Woody Allen dos cartazes é estratégia de marketing. Que povinho.

Fã.

2009-05-13T12:15:00.000-07:00

Nunca fui fã de Star Trek. Tinha visto os longas com a tripulação original e alguns episódios da série antiga. E só. Mas o filme que estreou sexta-feira mudou isso tudo. J.J. Abrams nunca conseguiu fazer com que eu me interessasse por Lost, mas me transformou num trekker de carteirinha. O filme é o que o cinemão de puro entretenimento não nos entregava desde o primeiro Piratas do Caribe: diversão impecável, caprichada, inteligente, e que faz a gente se sentir um pré-adolescente de novo. O grande mérito foi entender que pra conseguir o interesse do público, não bastava fazer um filme para os maníacos por Kirk, Spock e cia. Tinha-se que recomeçar mesmo. Mas não apenas com uma prequel, e sim com um filme dirigido ao público atual, como se a série estivesse começando agora, do nada, com um frescor que George Lucas não conseguiu imprimir nos episódios I-III de Star Wars. Para se ter uma idéia, tem até Beastie Boys na trilha. Os roteiristas Roberto Orci e Alex Kurtzman, que já tinham conseguido dar vida de verdade a uma história improvável sobre robôs gigantes que se transformavam em veículos, agora foram ainda mais longe. Para garantir o prosseguimento da série no cinema com total liberdade criativa, eles criaram uma realidade alternativa onde tudo que aconteceu na série de TV pode ser completamente ignorado. Toque de gênio. Mas se os fãs mais radicais podem ficar ofendidos com isso, o filme reserva uma participação comovente de Leonard Nimoy, o Spock original, e um final que presta reverência de joelhos ao programa dos anos 60. Provavelmente, o filme do ano. Sem exageros.

Sempre fui fã do Oasis. E ontem eu estava lá, no Gigantinho, com Liam Gallagher na minha frente (cantando mal mas e daí?) e o gênio Noel Gallagher um pouco mais à minha direita. O som, de onde eu estava, vinha embolado. As pessoas se aglomeravam ensandecidas desde a abertura com Rock n’Roll Star até o final com I Am the Walrus. Respirar era difícil. Suei uns cinco litros. E hoje eu estou surdo. Mas foi o maior show que eu já vi. E não estou falando de questões técnicas, óbvio. Quando vou a um show eu só levo em conta um aspecto: a emoção. E nada pode ser mais emocionante do que finalmente ver uma banda que faz parte da minha vida há 15 anos, e com amigos que compartilham comigo essa mesma paixão desde o começo. O fato de quase todas as músicas tocadas serem absolutamente brilhantes se torna até secundário. Segurei o choro em Don’t Look Back in Anger. Mas depois fiquei me perguntando porquê.

Em tempo: o hamburger do Mec Aurio é bem razoável. Não cheguei a virar fã, mas recomendo.

Gurevitch gênio.

2009-05-11T07:22:00.001-07:00

What goes around comes around.

2009-05-11T07:12:00.000-07:00

Redemption.

2009-05-08T10:13:00.000-07:00

Joe Strummer & the Mescaleros tocando Redemption Song, numa homenagem ao inacreditavelmente falecido líder do Clash. De chorar.

Coca-Cola.

2009-05-08T10:11:00.000-07:00

Filmes publicitários têm que ser assim. E era isso.

Valsa com Bashir.

2009-05-06T05:51:00.000-07:00

Ari Folman é um ex-soldado israelense da Guerra do Líbano. E também um cineasta. Traumatizado pela guerra, em especial por um massacre de civis palestinos cometidos pelos aliados da Falange Cristã, Folman tinha bloqueado as lembranças do conflito. Em busca da verdade, ele vai atrás de ex-combatentes para tentar montar o quebra-cabeça e ficar em paz consigo mesmo. Para registrar essa busca, ele decide fazer um filme. O resultado é Valsa com Bashir. Mas o que se vê na tela não é um simples documentário, e sim um dos melhores filmes de animação já feitos. Utilizando um recurso cujo resultado visual é semelhante ao da rotoscopia, Folman utiliza tudo que a linguagem pode oferecer, e traz tanto imagens realistas quanto oníricas para ilustrar as narrativas dos seus entrevistados. Incrivelmente bonito, o filme não deixa de fora as referências pop, com músicas nada óbvias dos anos 80, de bandas como PIL e OMD. No final, o público entende que a ideia de fazer um filme de animação não era apenas pela exploração das suas possibilidades, mas principalmente para aumentar o impacto da última cena. O silêncio na sala era ensurdecedor.

Uma das melhores cenas do filme:

Chega, outubro.

2009-05-04T11:17:00.000-07:00

Che.

2009-04-28T13:56:00.000-07:00

Quando Steven Soderbergh não está brincando com homens e segredos, seu cinema é sério. E não só sério. É um cinema frio, cerebral. Era isso, portanto, o que eu deveria esperar do filme Che. Mas talvez pelo tema ou pelo trailer, eu estivesse imaginando um filme vibrante e emotivo. Por isso, a decepção. Mas depois de alguns dias, passei a considerar a escolha do diretor em criar uma obra que pretende analisar como se constrói uma revolução. E vi que, mesmo que o filme não seja satisfatório, a tentativa é válida. Os meandros, as regras e os dogmas em cima dos quais os revolucionários agem estão todos lá, nas cenas que acompanham a caminhada dos guerrilheiros até Havana. A defesa teórica da revolução através do discurso e das entrevistas de Che em Nova York, também estão presentes. Mas é um filme indiscutivelmente chato, sem crescimento, sem clímax e sem envolvimento. E isso não acontece por falta de habilidade. Ao contrário do Frost/Nixon do Ron Howard, feito com a inteligência de um diretor que deseja conquistar o público e sabe fazer isso como poucos, o Che de Soderbergh simplesmente não quer ser mais do que uma análise científica. O mérito é não cair na tentação de fazer uma obra que fosse satisfazer os ingênuos e sonhadores fãs incondicionais de Che Guevara. O filme é justamente simpático ao personagem, mas sem cair em maniqueísmos. E a opção pela ausência de emoção possibilita também um dos mais brilhantes e inteligentes finais dos últimos tempos, onde fica claro, através de uma cena aparentemente simples e divertida, que a utopia é inalcançável.

Pra que escrever?

2009-04-28T06:32:00.000-07:00

O Festival de Cannes vem aí.

2009-04-28T06:15:00.001-07:00

Além desse poster cool, o Festival de Cannes desse ano tem Tarantino, Ang Lee e Lars Von Trier na seleção oficial. E depois é só esperar alguns anos até que os filmes cheguem a Porto Alegre.

Frost/Nixon.

2009-04-22T11:21:00.000-07:00

Política, jornalismo e História contemporânea são assuntos que me interessam. Por isso, eu estava louco pra ver Frost/Nixon. Mas não era nada do que eu esperava. O filme é, na verdade, bem melhor do que eu poderia imaginar. Ron Howard é um diretor tão habilidoso que conseguiu transformar um tema de interesse aparentemente restrito em algo que prende a atenção de qualquer um, desde a primeira cena. O diretor imprime um ritmo de thriller à história do apresentador de TV que faz de tudo para conseguir uma entrevista com o ex-presidente Richard Nixon, prevendo um grande sucesso de audiência. Mas, aos poucos, com a ajuda dos membros da sua equipe e do próprio Nixon, David Frost vai percebendo a importância real de um evento como esse, e deixa de lado a superficialidade de um típico entertainer para se transformar em um verdadeiro jornalista. Assim, Frost/Nixon é mais um filme sobre vitórias pessoais do que um tratado sobre política e corrupção. Frost é um Rocky Balboa desacreditado que no último round, acaba derrotando o Apollo-Nixon num duelo verbal emocionante e inesquecível. Claro que o resultado dessa peleja tem um sentido moral poderoso, mas o que marca mesmo é a idéia de que, em determinadas circunstâncias, qualquer um pode se superar como indivíduo, pessoal ou profissionalmente. E por falar em superação, Michael Sheen e Frank Langella mereciam um Oscar de Melhor Ator para cada um. Frost/Nixon é uma aula de como o cinema deve ser: inteligente e acessível ao mesmo tempo.

Nicholas Gurevitch.

2009-04-22T11:20:00.001-07:00

45 rpm.

2009-04-20T12:44:00.001-07:00

A Design for Life.

2009-04-16T05:41:00.000-07:00

Manic Street Preachers, a verdadeira melhor banda dos anos 90, ao vivo no Jools Holland. De arrepiar.

Censura.

2009-04-14T12:44:00.001-07:00

Betty Boop on drugs.

2009-04-13T10:47:00.000-07:00

Curta proibido de 1934, dirigido pelo fantástico Dave Fleischer.

As imagens aleatórias voltaram.

2009-04-02T11:28:00.000-07:00

Conservadorismo do bem.

2009-03-30T12:58:00.000-07:00

Clint Eastwood é um republicano. Mas não do jeito que o George W. Bush é republicano. Eastwood está mais para um Abraham Lincoln. Clint Eastwood é um conservador. Mas não um fascista reacionário. É um conservador dos ideais americanos, da cultura americana (ele é apaixonado por jazz) e da liberdade (a verdadeira, não a que costuma ser empregada para defender o capitalismo selvagem). E nenhum filme retrata melhor o bom conservadorismo de Eastwood do que Gran Torino. O filme fala sobre um ex-combatente da Guerra da Coréia que hoje vive sozinho em uma vizinhança cada vez mais tomada por imigrantes. A princípio fechado e carregado de preconceitos, Walt Kowalski começa a aceitar os vizinhos orientais, se aproximar deles e até defendê-los dos ataques cada vez mais violentos de uma gangue. Mas ao mesmo tempo, Walt segue fiel a seus ideais, que não aceitam, por exemplo, que os americanos andem por aí com carros estrangeiros, enquanto as Fords e GMs da vida vão perdendo espaço. O Ford Gran Torino que ele cuida como se fosse um verdadeiro filho é o maior exemplo do orgulho do personagem em ser americano. Walt, na verdade, simboliza os próprios Estados Unidos, um país que precisa se abrir mais à ideia de conhecer e compreender as outras nações, sob pena de ficar cada vez mais isolado. À medida que a história se desenvolve, o personagem vai abandonando o que a América tem de pior, e ressurge com força e dignidade. A mensagem é conservadora: se os Estados Unidos forem mais tolerantes, voltaremos a ser os mais fortes e admirados. Mas só o fato de o filme deixar bem claro que isso não vai se conquistar através da guerra e da violência, já é um sinal absoluto da maturidade e inteligência do diretor. Clint, continue entendendo seu país e o mundo como nenhum outro artista hoje em dia. Continue fazendo esses filmes tristes e geniais. E, é claro, continue ouvindo jazz.

O Senhor dos Anéis, por Walt Disney.

2009-03-25T14:26:00.001-07:00

...

2009-03-25T09:14:00.000-07:00

Barcelona 1908.

2009-03-25T08:57:00.000-07:00

Um dos filmes mais emocionantes que eu já vi é esse plano-sequência captado de um bondinho em movimento, que mostra a vida acontecendo enquanto a gente sabe que todas aquelas pessoas já se foram. Faz pensar sobre como tudo é rápido, e como vale a pena.

Have Love Will Travel.

2009-03-25T07:24:00.000-07:00

Vídeo feito recentemente para a clássica gravação da seminal banda Sonics. Nada pode ser melhor.

Watchmen, o filme.

2009-03-20T10:14:00.000-07:00

Esperei de propósito alguns dias para escrever sobre Watchmen, o filme. Isso porque ao mesmo tempo em que saí do cinema satisfeito com o que tinha visto, alguma coisa me incomodava, e eu precisei de um tempo pra entender o que era. Watchmen começa de forma brilhante, com duas sequências espetaculares: o assassinato do Comediante (unforgettable), e os créditos de abertura que contam o que aconteceu desde o surgimento do primeiro herói mascarado até a decadência completa dos vigilantes, com Bob Dylan de fundo e um afiadíssimo senso de humor. Ali Zack Snyder já tinha me ganho e o que viesse adiante era lucro. Mas depois desse início empolgante, que me fez acreditar que eu veria algo diferente da HQ, vem uma adaptação quase quadro-a-quadro da obra original. E rever em celulóide essa história que eu conhecia quase de cor não me acrescentou muita coisa como fã de cinema. Por isso, talvez, Watchmen não tenha me empolgado como V de Vingança, um filme que realmente transpõe uma obra de Alan Moore de um meio a outro, e por incrível que pareça, com vantagem sobre o original. Mas é inegável que Zack Snyder entende a graphic novel, e carrega o filme com ironia e com a maior qualidade da HQ: a ideia de vigilantes mascarados vivendo em um mundo real, e de como eles não se adaptariam a esse mundo, tornando-se outsiders e beirando o ridículo. Por falar em ridículo, o filme contém uma das melhores (senão a melhor) cena de sexo do cinema: Coruja e Espectral, desajeitados, expostos e humanos, ao som da maravilhosa Hallelujah, do Leonard Cohen. O único ponto realmente fraco é Ozymandias, personagem que nem de longe surpreende como no livro, aqui numa caracterização fraca, afetada e superficial. Fora isso, temos um filme digno, de um diretor talentoso e inteligente. Mas se Watchmen é considerado o Cidadão Kane dos quadrinhos, o Cidadão Kane do cinema ainda é o filme do Orson Welles mesmo.

Ilustras de cinema.

2009-03-19T07:12:00.000-07:00

Clássicos Revisitados 1 - Cidade dos Sonhos.

2009-03-16T11:54:00.001-07:00

A primeira vez que eu vi Mulholland Drive foi, como não poderia deixar de ser, no cinema. E saí meio que não sabendo mais onde é que eu estava. Eu tinha ficado impressionando com a narrativa e a força das imagens, mas a trama me deixou completamente perdido. Qual era o sentido de tudo aquilo? Como todo filme que requer interpretações, Mulholland Drive merecia ser visto de novo. E de novo. E de novo. Até que um dia, como que por mágica, eu assisti ao filme e de repente ele estava claro como uma história infantil. E ontem eu vi mais uma vez, quase sem conseguir entender como é que um dia eu pude ter alguma dúvida sobre o que eu estava vendo.

Mulholland Drive conta a história de Betty (Naomi Watts), aspirante a estrela de cinema que vem a Los Angeles em busca de um lugar ao sol. Linda, jovem e talentosa, Betty envolve-se em uma misteriosa trama com uma mulher que perdeu a memória (Laura Harring). Ao ajudar Rita (nome escolhido ao acaso, já que ela não lembra do verdadeiro), elas acabam por se apaixonar, e uma das relações de amor mais intensas do cinema tem início. O que se vê é um film-noir típico, com todo o artificialismo que só Hollywood é capaz de criar. A trama complexa, o emaranhado de situações e personagens, as cores, luzes, figurinos, a maquiagem, o romantismo, os cenários, a beleza estonteante. Tudo nos leva a crer que estamos assistindo a um filme no estilo clássico, onde a aparente confusão vai nos levar a algum lugar, e todo o mistério sobre Rita vai ser revelado no final. Mas então, Betty e Rita vão ao Clube Silencio, onde nada é real. E a ilusão cai por terra.

Agora conhecemos Diane (Naomi Watts), aspirante a estrela de cinema que vem a Los Angeles em busca de um lugar ao sol (que ela não encontra). Nesse ponto da história, ela está sentindo falta da mulher por quem era apaixonada/obcecada, Camilla (Laura Herring), uma atriz de sucesso. Flashbacks que mostram momentos da relação entre as duas mulheres, onde Camilla humilha uma cada vez mais desesperada Diane, têm início. E vemos uma história de desilusão amorosa contada sem requinte, sem glamour, num tom realista e desesperador. Não é mais Hollywood. É a realidade. Diane, não suportando mais a rejeição, encomenda o assassinato de Camilla e depois, carregada de culpa, enlouquece e se suicida.

E assim termina Mulholland Drive.

Mas o que há de genial no filme é que quando os créditos começam a aparecer, somos obrigados a pensar no que acabamos de ver. Qual a relação entre as duas histórias? Por que a segunda parte é carregada de elementos que já apareciam na primeira metade, mas mostrados de forma diferente? Os sonhos não são nada mais do que a mistura de coisas com as quais temos contato durante o dia ou que estão guardadas em nosso subconsciente, com os nossos desejos, medos e anseios. Portanto, a primeira parte de Mulholland Drive é um sonho de Diane. Ou, mais precisamente, uma especulação sobre como seria um sonho de Diane. Aqui, ela se chama Betty, uma nova mulher, uma nova chance. Aqui, a sua amante é dependente dela, ao contrário do que acontece na vida real. E o mais importante: seu sonho é um filme, com toda a idealização da qual só Hollywood é capaz.

A única dúvida que ainda resta quando assisto a Mulholland Drive é: David Lynch faz uma das mais belas homenagens ao cinema ou uma crítica ferrenha à sordidez de Hollywood, onde a beleza só existe na tela (e nos sonhos)?

Com esse post, eu começo a série Clássicos Revisitados. A proposta é escrever textos relativamente curtos sobre alguns dos grandes filmes da história. A frequência vai ser totalmente indeterminada, e baseada apenas na minha vontade de escrever sobre algum filme que eu tenha revisto.

De quem são essas mãos?

2009-03-13T10:41:00.001-07:00

Quem disse Bob Dylan, acertou. Só pelas mãos já dá pra ver que é gênio.

Ah, como eu gosto de ser aleatório.

2009-03-13T10:31:00.000-07:00

Nicholas Gurevitch.

2009-03-12T12:26:00.000-07:00

Click to enlarge, as always.

E isso?

2009-03-12T12:15:00.000-07:00

Redondo é rir da vida.

2009-03-11T07:20:00.000-07:00

Inteligentíssimo vídeo paródia da campanha stand-up comedy da Skol. Dá um tapa na cara nessa hipocrisia de tentar associar bebida alcóolica com alegria e diversão.

Dr. Manhattan.

2009-03-11T07:09:00.000-07:00

Quem melhor que o Woody Allen pra fazer esse papel? Mais "se Watchmen tivesse sido dirigido por...", aqui.

Europeu wannabe.

2009-03-10T09:59:00.000-07:00

Os irmãos Weinstein, fundadores da extinta Miramax, são os responsáveis por um estilo de filme surgido com força nos anos 90: o europeu wannabe. São filmes americanos com um verniz mais artístico, que se passam, obviamente, na Europa, mas que raramente deixam de passar uma impressão "me engana que eu gosto". Dentro dessa linha enquadram-se filmes interessantes como O Paciente Inglês e Shakespeare Apaixonado, e outros que só dão raiva, como Chocolate e esse novo O Leitor. O fato é que esse tipo de obra quase sempre fica no meio do caminho, porque não aproveita a noção de entretenimento em que os americanos são mestres nem consegue alcançar a profundidade dos grandes filmes europeus. O Leitor não funciona em nenhum momento, e Kate Winslet irrita com seu já tradicional estilo over de atuação, que ela usa até para agradecer os Oscars da vida. Depois desse filme, até comecei a achar Benjamin Button mais honesto. Mas o buffet de sushi do Dado Bier valeu a ida até o Bourbon.

Saturday Morning Watchmen.

2009-03-06T08:50:00.000-08:00

A abertura de Watchmen. Se Watchmen fosse um daqueles desenhos que passam na TV aos sábados pela manhã. Genial.

Imagens. (até porque eu ando escrevendo demais)

2009-03-04T09:22:00.000-08:00

Movies update.

2009-03-03T11:13:00.000-08:00

Muito trabalho, muito twitter e pouco blog. Com isso, andei vendo quatro filmes que acabei não comentando aqui. Então, só pra constar:

Belo filme com excelente atuação do Sean Penn, embora sem a visceralidade assustadora de Mickey Rourke em O Lutador. O grande mérito do Gus Van Sant foi retratar os gays não como pessoas iguais às outras, mas como um grupo que tem padrões de comportamento bem particulares. Sim, eles são diferentes. E, sim, eles merecem respeito.

Coraline é lindo visualmente, mas tem muito pouco do clima dark do livro de Neil Gaiman. E a personagem, no filme, é desencanada demais para sentirmos que em algum momento ela esteja mesmo angustiada ou com medo. O livro é para crianças precoces. O filme, para crianças crianças.

O melhor filme do ano. Ok, tá pau-a-pau com Batman e O Lutador. Mas Slumdog Millionaire é um filme que empolga o tempo inteiro, do começo até os créditos finais. Quem tenta ver Cidade de Deus aqui está muito enganado. Slumdog é um conto de fadas que fala de destino. Apenas por acaso a ambientação é realista. Cinema de primeira com aquele bem-vindo multiculturalismo do século XXI. Danny Boyle é o cara de novo.

Vi porque não consegui lugar na sala em que estava passando O Leitor.

O melhor filme do Woody Allen.

2009-02-27T10:31:00.000-08:00

A imagem acima poderia ser suficiente. Nenhum filme do Woody Allen tem uma cena tão marcante visualmente. Mas Manhattan tem muito mais do que isso. Allen tinha se firmado como um grande cineasta com Annie Hall, dois anos antes. Mas enquanto o filme de 1977 apresenta uma necessidade de mostrar serviço e criatividade através de uma narrativa fragmentada, onde praticamente cada cena utiliza um recurso diferente, Manhattan é obra madura, contada de maneira mais clássica, e até por isso, mais resistente ao tempo. A fotografia em preto e branco, by Gordon Willis, e a trilha somente com clássicos de George Gershwin passam uma visão nostálgica de Nova York, em contraponto ao fato da história ser totalmente contemporânea. Isaac Davis começa o filme envolvido com a adorável Tracy. Detalhe: ele tem 42 e ela, 17. Mas logo começa um relacionamento com a ex-amante do melhor amigo, uma pseudo-intelectual que tem como passatempo incluir gente como Fitzgerald e Van Gogh na sua academia de superestimados. “Não esqueça Mozart.”, diz ele. O fato de Isaac trocar a surpreendentemente madura Tracy pela insegura e neurótica Mary é daquelas coisas de que só o ser humano é capaz. E isso não é um elogio a nossa espécie. Isaac começa a perceber o que perdeu quando faz uma pequena lista das coisas que valem a pena na vida. A listinha começa com Groucho Marx e termina com “o sorriso de Tracy”. Aí entra a homenagem às comédias românticas dos anos 50, com direito a uma corrida desesperada para impedir a mocinha de viajar. Mas é um filme de Woody Allen, e ela vai embora. Não sem antes garantir que volta para ele em seis meses. Tracy: “...not everyone gets corrupted... you have to have a little faith in people.” Sorriso resignado de Isaac. Entra Rhapsody in Blue. Tela escura. Directed by Woody Allen. E eu entendo mais do que nunca porque chamam o cara de gênio.

Silêncio.

2009-02-26T13:04:00.000-08:00

Jai Ho.

2009-02-25T09:39:00.001-08:00

Slumdog Millionaire é sensacional. Ponto. Aí em cima, os créditos finais, com a canção ganhadora do Oscar. Mas de preferência, deixe pra ver na tela de cinema, que a surpresa é maior.

O segredo da felicidade.

2009-02-20T11:47:00.000-08:00

Inglorious Posters.

2009-02-20T11:22:00.001-08:00

Movie posters.

2009-02-19T12:02:00.000-08:00

Post preguiçoso, pero colorido.

Ficção.

2009-02-18T07:38:00.001-08:00

Fui ver Operação Valquíria no fim de semana (bom filme, um thriller com thrills), e naquela paradinha no Joe e Leo's depois do cinema, eu comentei sobre como é difícil acreditar que um país inteiro tenha entrado naquela loucura coletiva que foi o nazismo. E o pior: isso nem faz tanto tempo. O nazismo para mim é mais surreal do que o homem na lua. As fotos acima são da revista Life. E são reais. Mas o meu cérebro não consegue assimilar isso. Pra mim, no fundo, essas fotos são stills de uma superprodução hollywoodiana, por sua vez baseada em um livro de ficção distópica a la George Orwell. E já que eu escolhi acreditar na humanidade, é melhor deixar assim mesmo.

Hemlock.

2009-02-17T09:37:00.002-08:00

Curta de animação pra lá de bem feito.

Go, Speed Racer.

2009-02-11T09:18:00.001-08:00

Um dos maiores ícones pop do mundo vai ter a sua história original publicada pela primeira vez no Brasil, pela editora NewPOP, especializada em quadrinhos japoneses. Pra quem não sabe, Speed Racer é originalmente um mangá e não um animê. A promessa é de dois volumes de 300 páginas, um em julho e o outro em setembro. O filme? Só quando der pra ver de graça.

Song to the Siren.

2009-02-11T03:41:00.000-08:00

Música do Tim Buckley, em versão do John Frusciante. Segunda faixa do álbum The Empyrian.

Long afloat on shipless oceans
I did all my best to smile
'Til your singing eyes and fingers
Drew me loving to your isle
And you sang
Sail to me
Sail to me
Let me enfold you
Here I am
Here I am
Waiting to hold you

Did I dream you dreamed about me?
Were you here when i was full sail
Now my foolish boat is leaning
Broken lovelorn on your rocks,
For you sing, "Touch me not, touch me not, come back tomorrow:
O my heart, O my heart shies from the sorrow"

I am puzzled as the newborn child
I am troubled at the tide:
Should I stand amid the breakers?
Should I lie with Death my bride?
Hear me sing, "Swim to me, Swim to me, Let me enfold you:
Here I am, Here I am, Waiting to hold you"

Vinyl.

2009-02-10T05:20:00.001-08:00

What's Goin' On/What's Happening Brother.

2009-02-10T03:54:00.000-08:00

Dobradinha com a voz inacreditável do Marvin Gaye ao vivo. A beleza, a beleza...

The Wrestler.

2009-02-09T08:20:00.000-08:00

Mickey Rourke não merece o Oscar de Melhor Ator. Ele merece é entrar pra uma lista das 10 mais memoráveis atuações da história. Seu personagem em The Wrestler é tão real que fica difícil acreditar que ele foi criado por alguém. Quando o filme termina, a gente sente falta de um "based on a true story". Mas isso não se deve somente ao incrível trabalho do ator. O roteiro do filme foge da inverossimilhança e da forçação de barra como o diabo da cruz. E o diretor, que tem no currículo nada menos que Réquiem para um Sonho, trata de conduzir a coisa toda com o mesmo olhar nada esperançoso em relação ao famoso "sonho americano". Darren Aronofsky não foge de alguns clichês dos filmes sobre lutadores decadentes que obtém uma segunda chance. A diferença é que ele se utiliza desses clichês justamente para mostrar que seu filme é diferente, que seu conteúdo é outro. Ele faz o espectador identificar o que viu em outros filmes só para surpreendê-lo com a maneira que as situações são (ou não) resolvidas. Para dar um exemplo da genial simplicidade do filme: quando o personagem de Rourke caminha, a câmera o acompanha por trás, passando a sensação de que ele está sempre se dirigindo ao ringue para mais uma luta. Mas os golpes da vida real não são combinados, como na luta livre. Enquanto diretores como David Fincher se entregam às facilidades do cinemão, Aronofsky se mantém fiel a sua arte e suas crenças. E é disso que a gente, que gosta mesmo de cinema, precisa. Na trilha, hard rock bagaceiro dos anos 80, e uma música arrasadora do Bruce Springsteen nos créditos finais. Tento me segurar nos elogios, mas nesse caso é difícil: obra-prima.

Falling Down.

2009-02-06T11:14:00.000-08:00

Vídeo (porque odeio a palavra clip) novo do Oasis.

Era do Jazz.

2009-02-06T10:53:00.000-08:00

Pra uma coisa serviu eu ter visto o equivocado Benjamin Button: descobri, com um atraso vergonhoso, a obra do F. Scott Fitzgerald. Tô lendo uma edição circa 1963 do livro acima, emprestado pela minha mãe. E quase tão impressionante quantos os textos foi a vida do autor, dissecada em um enorme prefácio. O cara praticamente inventou os anos 20, virando ídolo da juventude da época, que lia avidamente seus livros e imitava seu life-style cheio de festas, álcool e sexo, na euforia que veio antes da Grande Depressão. Fitzgerald era bipolar como a América.

Nicholas Gurewitch.

2009-02-05T09:34:00.000-08:00

Coisas que ele nunca faria.

2009-02-05T09:21:00.001-08:00

Epidemia de cegueira no youtube.

2009-02-05T04:35:00.000-08:00

- Sensacional essa entrevista do Stephen Colbert com o Paul McCartney, não?
- Bah, se tivesse Comedy Central no Brasil, eu assinava certo.

Será que se os executivos da famosa rede de TV por assinatura tivessem ouvido esse diálogo acontecido aqui na agência, eles teriam mandado o youtube tirar a entrevista do site no dia seguinte? O youtube está morrendo, porque com medo de processos milionários, atende a todos os pedidos de retirada de vídeos ou áudio que infringem direitos autorais. E realmente não dá pra condenar o site. O que me impressiona cada vez mais é a falta de visão dessas mega-corporações (redes de TV, gravadoras), que não percebem que essa veiculação informal só ajuda a despertar o interesse por seus produtos. É como se um anunciante pedisse para o youtube retirar seus comerciais do ar. No caso da Paramount Pictures, foi quase isso que aconteceu. O trailer do novo Transformers, que foi uma das atrações no valorizadíssimo break do Super Bowl, ganhou veiculação gratuita no youtube. E pediram para tirar do site. Um trailer! O comercial do filme! Até as produções caseiras que satirizam ou homenageiam músicas, filmes ou programas de TV servem como divulgadores gratuitos, despertando a curiosidade e a procura por mais. Como é que eu e você sabemos disso e eles não? Se alguém sabe dos motivos mercadológicos para esse tipo de atitude, comments por favor. Já a minha impressão é de que a era do controle acabou. Não adianta tentar ir contra. É hora de relaxar, gozar e lucrar com isso.

Shakespeare + Beatles = Peter Sellers

2009-02-05T03:32:00.000-08:00

O dia em que a música morreu.

2009-02-04T04:15:00.000-08:00

Tentei escrever aqui um texto homenageando o Buddy Holly (ontem fez 50 anos que o avião caiu), mas não ficou à altura do gênio. De qualquer maneira, nenhum textinho seria melhor que ver o cara tocando Peggy Sue, certo?

O Curioso Caso de Forrest Gump.

2009-02-03T07:23:00.000-08:00

Depois de ler o maravilhoso conto do F. Scott Fitzgerald, fiquei com ainda mais raiva de Benjamin Button, o filme. Uma história satírica, cômica e inteligente virou um dramalhão de auto-ajuda bem fotografado. E com resquícios de Titanic e Forrest Gump. Confira as comparações com Forrest no divertidíssimo vídeo acima.

Putz. Não vou de novo.

2009-01-30T12:02:00.000-08:00

Waltz with Bashir.

2009-01-29T12:41:00.000-08:00

Indicado ao Oscar de Filme Estrangeiro e possivelmente, uma das melhores animações que eu ainda não vi. Por enquanto, só o trailer.

Icons.

2009-01-29T09:47:00.000-08:00

A entrevista.

2009-01-29T09:38:00.000-08:00

Absurdamente engraçada entrevista de Stephen Colbert, do Comedy Central, com Paul McCartney.

Bjorn Borg Handler.

2009-01-28T13:01:00.000-08:00

Esse é o nome do cachorro acima, um dos 78 mil sócios do Inter. Genial a idéia da dona, sócia remida, para poder contribuir mensalmente com o clube. E agora o departamento de marketing está pensando em uma campanha para associar os pets dos torcedores. Tenho orgulho de torcer para esse clube, onde os torcedores são muito mais criativos que violentos.

In Rainbows Animated Music Video Contest.

2009-01-26T09:57:00.000-08:00

Os quatro vencedores do concurso que o Radiohead lançou para que seus fãs produzissem vídeos em animação para músicas do último álbum da banda. Inspiração é o que não deve ter faltado.

Cadbury.

2009-01-26T08:36:00.000-08:00

Depois do filme do gorila, a Cadbury mostra mais uma vez que propaganda boa não é a que mostra as qualidades do produto, mas a que oferece bom entretenimento. O que fica é a lembrança da marca que ofereceu aquele minuto de diversão. Agora vou lá comprar minhas barras de Dairy Milk.

Frase sobre a escolha dos indicados ao Oscar.

2009-01-23T05:23:00.000-08:00

Collective brains are, by their very nature, unimaginative.

Beastie Boys é arte.

2009-01-21T08:13:00.000-08:00

A galeria 1988 de Los Angeles chamou pintores, grafiteiros e ilustradores para que cada um fizesse um trabalho inspirado nas músicas dos Beastie Boys, como esses aí em cima. O resultado é impressionante, e se você tem uns dólares sobrando dá pra comprar algumas peças. “Algumas” porque várias já foram vendidas. O projeto se chama Under the Influence: Beastie Boys Artwork e ainda vai contar com DJs remixando as músicas do grupo. Mas vai correndo pra LÁ, que a exposição é só até 29 de janeiro. Ou veja todos os trabalhos aqui.

Foto promissora.

2009-01-20T10:53:00.000-08:00

E dá pra esperar pouca coisa do Woody Allen dirigindo o Larry David?

Cartaz.

2009-01-20T10:43:00.000-08:00

Hail to the Chief.

2009-01-20T10:30:00.001-08:00

Só pra não deixar esse dia histórico passar em branco.

Rolling Stone argentina.

2009-01-20T06:50:00.000-08:00

Filmes sensacionais criados por La Comunidad.

Conversas com o gênio.

2009-01-20T04:36:00.000-08:00

Terminei de ler esse livro que compila uma série de entrevistas do autor Eric Lax com o Woody Allen. Feitas desde o começo dos anos 70 até recentemente, as entrevistas são divididas tematicamente, com cada capítulo correspondendo a um aspecto da criação e produção de um filme. Assim, o livro mata dois coelhos: a gente fica conhecendo um pouco mais da personalidade do cara e também recebe uma aulinha de processo criativo. O que mais me impressionou foi o olhar crítico que Woody Allen tem em relação a própria obra. Enquanto o seu público reverencia toda e qualquer coisa que ele faz, o diretor tem aquela visão que permite associar a intenção ao resultado final, e no caso de Allen, isso é quase sempre frustrante. Para se ter uma idéia, ele considera Annie Hall, Manhattan e Crimes e Pecados como filmes quase medíocres. Privilégio de gênio.

Trio.

2009-01-19T11:15:00.001-08:00

Conclusões do fim de semana.

2009-01-19T09:38:00.000-08:00

A Fratello é muito melhor que a Bazkaria.
Foi a última chance que eu dei pra Bazkaria. O ambiente é legal, Parcão e tal, mas o que importa (a pizza) é bem meia-boca se comparada às excelentes opções da Fratello Sole. Melhor que a Fratello, só a Basílico, mas essa fica a algumas centenas de quilômetros daqui, em Floripa.

Correr no Parcão rende muito mais que na Praça da Encol.
O chão de terra reduz o impacto, o parque tem mais oxigênio e muito mais espaço. Sem falar que a gente não tem que ficar desviando de quem só tá a fim de dar uma caminhada, como nas calçadinhas estreitas da Praça da Encol.

O sanduíche de frango teriyaki do Subway é espetacular.

E com azeitonas pretas e pimenta do reino fica melhor ainda.

David Fincher tem que voltar a fazer filmes violentos.
O Curioso Caso de Benjamin Button é um dos filmes mais bonitos que eu já vi. Cada cena tem a sua beleza particular, e o filme é um deleite para os olhos. Poucas vezes vi algo tão bem cuidado, com tanta intenção de se fazer algo realmente relevante artisticamente dentro do cinemão hollywoodiano. Mas beleza não põe mesa. E o filme não tem alma, não envolve, não emociona. Sem falar que um cara do calibre de David Fincher podia ter sugerido ao autor do roteiro tirar os trechinhos de filosofia de almanaque ditos em off pelo narrador e protagonista da história. Como se os espectadores só entendessem a “mensagem” se ela fosse dita com todas as letras. Poucas coisas me irritam mais no cinema do que essas coisas mastigadinhas. Os similares Forrest Gump e Big Fish são muito melhores. E David Fincher, ao mesmo tempo em que demonstra extremo bom-gosto na condução visual do filme, também mostra que está perigosamente próximo da vala-comum dos diretores talentosos mas pouco ousados. Justamente ele, que fez Se7en e Clube da Luta.

Elton John se veste muito bem.
Não que eu fosse usar algo semelhante àquele blazer do show de São Paulo, ou não achar estranho se visse alguém circular por aí vestido daquele jeito. Mas o Elton John pode. Aquilo faz parte do personagem que ele criou, tão importante para o espetáculo quanto as próprias músicas. Se vestir de jeito extravagante, antes de ser vaidade, é respeito ao público, é integrar o artista a sua arte, tornando tudo uma coisa só, coesa e completa. E foi um grande show. Nunca tinha percebido como conhecia tantas músicas do Elton John, e como essas músicas são boas. Pop perfeito, de um cara que praticamente inventou a coisa.

Lindo.

2009-01-19T04:44:00.000-08:00

Sensacional curtinha de animação criado pela DDB Paris para o canal de TV infantil Tiji.

Images.

2009-01-16T09:37:00.000-08:00

...

2009-01-16T08:58:00.000-08:00

What's Opera, Doc? (1957)

2009-01-15T05:25:00.000-08:00

One Froggy Evening (1955)

2009-01-15T05:23:00.000-08:00

Duck Dodgers in the 24½th Century (1953)

2009-01-15T05:21:00.000-08:00

Duck Amuck (1953)

2009-01-15T05:19:00.000-08:00

Rabbit of Seville (1950)

2009-01-15T05:16:00.000-08:00

Desenhos Lunáticos.

2009-01-15T05:01:00.000-08:00

Agora no começo do ano andei revendo meus DVDs da série de animação mais genial do cinema, que durou de 1930 a 1969. E fiz uma seleção dos cinco maiores Looney Tunes, todos dirigidos pelo mestre Chuck Jones, para meus próximos posts. É diversão. E é arte.

Carnival Cruise Lines.

2009-01-15T04:48:00.000-08:00

Duas ações geniais da linha de cruzeiros marítimos, para reforçar o conceito Fun For All.

Tendências.

2009-01-15T04:40:00.000-08:00

Excelente previsão de tendências para 2009, feita pela Trend Hunter.

Superbad.

2009-01-14T05:20:00.000-08:00

Motown.

2009-01-13T08:47:00.000-08:00

Ontem a Motown fez 50 anos e a data passou completamente batida por mim. Pra compensar, esse mini-documentário sobre a histórica gravadora de Detroit.